Intervista | Julian Opie

Julian Opie, artista di spicco della New British sculpture negli anni ottanta, oggi conosciuto per la sua ricerca tra scultura, comunicazione e cultura urbana, racconta del suo approccio sperimentale al suo vocabolario visivo. In particolare, la discussione ruota attorno alla nuova serie di walking figures, tredici opere raffiguranti persone in movimento riprese dalla strada, ora in mostra a Roma presso la Galleria Valentina Bonomo, dove è in corso la sua quarta personale.

Elena Giulia Rossi: Può parlare della genesi di questo nuovo corpus di opere alla Galleria Valentina Bonomo e del suo rapporto con lo spazio?

Julian Opie: Questa è la mia quarta mostra alla Galleria Valentina Bonomo. Quindi, conosco bene lo spazio. È una galleria bellissima e un’opportunità unica per esporre le opere. La galleria mi ricorda una piccola cappella, con il suo soffitto a volta e le pareti ad arco che creano quasi una serie di piccoli altari. Ogni potenziale galleria, museo, o progetto d’arte pubblica, offre un contesto molto specifico all’interno del quale vedere e comprendere il lavoro che sto realizzando in quel momento. Cerco di trovare un modo per ottimizzare il luogo e renderlo perfetto per esporre quel particolare gruppo di opere.

Così, il lungo e stretto corridoio di Valentina Bonomo, che è un’area difficile e angusta, diventa perfetto per esporre un gruppo di piccole opere a parete che raffigurano una scena di strada allungata con persone che camminano. Per la sala principale, simile a una cappella, con le sue cinque nicchie ad arco, ho scelto cinque nuovi dipinti di grandi dimensioni che ritraggono individui da me disegnati e realizzati in legno e vernice brillante. Li ho immaginati come santi in una chiesa barocca. Naturalmente, dopo questa mostra queste opere saranno in un altro luogo. Non si tratta, quindi, di una soluzione permanente, ma ho pensato che avesse senso e migliorasse l’esperienza complessiva. L’intera mostra è incentrata sul corpo in movimento e sugli sconosciuti che passano per strada. Accanto a questi temi, c’è una discussione sulla superficie e sul colore, sul riconoscimento coinvolto nel disegno e nella lettura delle immagini.

Il modo in cui il suo vocabolario visivo è orchestrato e integrato nella pittura/scultura tiene in grande considerazione la comunicazione…

Quello che faccio è il risultato di tentativi ed errori. Di un lento processo di sperimentazione e di mix and match. Parto da lavori precedenti che mi hanno suggerito, accennato a un’ulteriore possibilità. Qualcosa notato nell’ultimo progetto o forse nel mondo reale o nell’arte di altre persone accende una serie di possibilità con cui inizio a giocare, a destreggiarmi e a combinare. Da molto tempo lavoro con immagini di persone che camminano. All’inizio erano una variante delle immagini in posa di persone in piedi, ma quando ho capito che potevo effettivamente far muovere queste persone che camminano attraverso tecniche di animazione, ho riutilizzato la premessa di base molte volte come composizioni singole e di gruppo.

Per strada, in qualsiasi città e in qualsiasi paese, c’è un’infinità di modelli unici e meravigliosi. Ho disegnato persone in molte città e in tutte le diverse stagioni e condizioni atmosferiche. Ogni volta che intraprendo un nuovo progetto ho sensazioni diverse su ciò che voglio mettere a fuoco e, man mano che lavoro, mi accorgo che il mio modo di disegnare è cambiato e che anche le possibilità di costruire e di edificare cambiano in risposta. Nei lavori precedenti disegnavo con una spessa linea nera, riempiendo i vari elementi di vestiti, borse e pelle con colori realistici e appropriati. Più recentemente la linea nera è scomparsa e disegno ogni figura con due soli colori. Un colore scuro e uno chiaro, presi dalla persona in questione. Un capo d’abbigliamento e il colore dei capelli, magari. Colori che a colpo d’occhio potrebbero definire quella persona. Sono sufficienti per disegnare e la semplicità mi permette di giocare con le diverse superfici e di mettere in risalto la spinta e l’attrazione del lucido e dell’opaco. Le categorie di pittura e scultura (da sempre un elemento chiave del mio lavoro) si sono sgretolate perché l’immagine diventa oggetto. Lo sfondo dei quadri è scomparso, così che la parete diventa la tela e in questo modo l’intero spazio può essere coinvolto nel quadro.

Che cosa si aspettano le sue walking figures dal pubblico?

Questa domanda mi confonde. Presumo che sia una domanda su come vengono lette le immagini. Ho dedicato molto tempo alla ritrattistica nel senso più ampio del termine. La rappresentazione di esseri umani da parte di esseri umani. (Questa discussione potrebbe sconfinare in altri animali, ma la lascio per ora).

Le persone hanno disegnato e scolpito gli altri esseri umani intorno a loro fin dal Neolitico. Guardo a queste immagini e poi alle prime civiltà fino ai più recenti ritratti di antichi maestri e ai segni, ai simboli e alle opere d’arte di oggi. Inevitabilmente un’immagine umana agisce in qualche misura come uno specchio e come una presentazione personale. L’interesse e la paura, l’attrazione e la repulsione che proviamo per gli altri, conosciuti o sconosciuti, vengono trasferiti ed evocati dalle immagini. Noto in particolare la differenza tra guardare un essere umano che sa di essere guardato, qualcuno che ricambia lo sguardo e l’esperienza molto diversa del people watching, quando si notano e si controllano i passanti. Lo spettacolo di Roma è un insieme di passanti. Sono impegnati nel loro mondo e ignorano l’osservatore. Questo permette una certa libertà di sguardo e forse anche una maggiore empatia, in quanto evita il confronto. Spesso vedo persone che imitano il movimento delle immagini. Mi sembra una bella risposta molto fisica.